BOGOTA D.C , MAYO 13 DE 2017, SESION XIII

Espacio: Salón 307 aula informática

CONTENIDOS ABORDADOS AUTORES Y OBRAS

En esta sesión hablamos de lo que refiere a vanguardias cinematográficas y el como se analiza la escena de una película desde lo narrativo hasta el guion

LAS VANGUARDIAS CINEMATOGRÁFICAS

Las vanguardias son formas que surgen en un campo cultural constituido y transforman sus convenciones. El cambio se manifiesta como tensión entre formas artísticas nuevas y formas caducas.

En general, se entiende por cine de vanguardia o cine artístico el que se desarrolla totalmente al margen de la narrativa convencional , a veces chocando tan frontal mente como el cine abstracto. Pero dentro de este cine de vanguardia caben intereses y prácticas cinematográficas totalmente distintas. Entre estas vanguardias podemos reconocer: 

- Expresionismo Alemán (1920): 

El saldo de la guerra cristaliza, en Alemania, dos hitos capitales para la cinematografía: la consolidación de la industria y la aparición del movimiento expresionista. Alemania busca incentivar la producción cinematográfica con films propios debido a la guerra. En 1917 surge mediante la unión de industriales, militares y burgueses poderosos la Universum Film Aktiengesellschaft (UFA), que fue una productora creada por el General Ludendorff .La corriente expresionista en el cine comienza con El gabinete del Doctor Caligari ( Robert Wiene, 1919), y tiene como antecedentes El Estudiante de Praga ( Stellan Rye 1913), El Golem ( Paul Wegener, 1914) y el serial Homunculus (Otto Rippert, 1916). Entre los directores expresionistas podemos encontrar a Robert Wiene, Paul Wegener,arthur Robison, Paul Leni, E. A. Dupont, Leopold Jessner, Lupu Pick, George W. Pabst, Friedrich Wilhelm Murnau y Fritz Lang.El expresionismo alemán derivó hacia dos tendencias el kammerspielfilm o film de cámara y la nueva objetividad, caracterizada por el denominado film de la calle que dejó a un lado la subjetividad de Caligari.

Un ejemplo de cine expresionista alemán es La película Nosferatu de 1922

- Surrealismo Dadaismo (1928): 

Surgió en Zurich durante la guerra, el movimiento dada pretendía elevar el escándalo a la categoría de forma artística. Promovía la espontaneidad, la provocación, el encuentro de todas las contradicciones.
El dadaismo estaba contra las convenciones burguesas, contra la institución del arte tradicional o contra el modelo de la narración clásica sistematizado por Griffith.
El arte ya no debería ser una institución, sino un acto creador libre, caótico, fugaz y subversivo.
Autores y obras

Emak Bakia (1927, de Man Ray), Anemic Cinema (1926 Marcel Duchamp), Entreacto (1924 Rene Clair).
El Surrealismo intentó sistematizar el caos dada para proponer un orden alternativo a las convenciones burguesas. El azar, el humor, el erotismo, lo onírico, las imágenes insólitas y la lógica del inconciente fueron los instrumentos de esa transgresión.
Es considerado el primer film surrealista La caracola y el clérigo (1928 Germaine Dulac), Un perro Andaluz ( 1928 Luis Bruñel), La edad de oro ( 1930 Luis Bruñel) considerada como la cumbre cinematográfica del surrealismo.

Un ejemplo de cine surrealista dadaista es Un perro andaluz de Buñuel 1929

- Formalismo Ruso(1925):

El formalismo ruso se distingue por su énfasis en el papel funcional de los recursos literarios y de su concepción original de la historia literaria. Formalistas rusos, abogó por un método “científico” para estudiar el lenguaje poético, a la exclusión de los tradicionales enfoques históricos psicológicos y culturales. Como Victor Erlich, un historiador del formalismo. Crear un modelo de narrativa audiovisual era algo necesario, especialmente en un periodo donde muchas grabaciones solo mostraban escenas como si de un teatro se tratase, con un escaso sentido del ritmo al intercalar diferentes planos.Ya por entonces existían figuras como David W. Griffith, que creará obras tan rompedoras como “El nacimiento de una nación” (1915), la cual a pesar de mostrar una historia de dudosa moralidad supone todo un hito en cuanto a técnica, ya que los planos dejaban de ser fijos para intercalarse entre sí.Pero no será hasta la llegada del cine soviético de los años 20 cuando se empezarán a desarrollar unas teorías más específicas sobre aquello que podía transmitir el montaje cinematográfico. 

Un ejemplo de formalismo ruso es  la película el nacimiento de una nación 1915.




-Star System (Hollywood- 1930)

Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno desarrollo, convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos se encontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, los presupuestos de las películas aumentaron de manera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generalizó la aplicación de los modelos organizativos desarrollados por Adolph Zukor en la Paramount.Sin embargo, buena parte del éxito de una producción dependía de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella, y uno de los trabajos más importantes será su promoción. Se dice que fue D.W. Griffith quien empezó a firmar sus películas y a colocar a los actores en los títulos de crédito. Gracias a esa iniciativa, los actores comenzaron a ser conocidos, generándose una demanda por parte del público. Así aparece en la nueva industria el Star-System. Gloria Swanson, Louise Brooks, Claudette Colbert y Greta Garbo fueron estrellas de esta época, junto a los grandes cómicos. Ya en los años 20 aparecieron también el sistema de estudios (studio system), siguiendo el modelo de Irving Thalberg en la Metro, y el cine de géneros cinematográficos.En 1922, las principales empresas se agruparon en torno a la Motion Picture Producers & Distributors of America Inc., organismo encargado de establecer una normativa que articule el funcionamiento interno de las empresas y sus relaciones. Pero el presidente de esta asociación, el ex-senador republicano Will H. Hays, irá más allá en el desarrollo de sus funciones y redactará un célebre código moral, el Código Hays (1), al que se verá sometida la industria de Hollywood a partir de 1930.

Un ejemplo de star system es La Boheme, 1926

- Neorrealismo Italiano (1945)

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que surgió en Italia durante la primera mitad del siglo XX como una reacción a la Posguerra. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical que impuso el fascismo. Los autores utilizaban frecuentemente a actores no profesionales. El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la primera película de este género es considerada Roma ciudad abierta de Roberto Rossellini.Se puede decir que el neorrealismo italiano se inicia en 1945 con Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta) de Roberto Rossellini y continúa con cineastas tan destacados como Vittorio De Sica con Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas) en 1948 y Luchino Visconti con La tierra tiembla (La terra trema) en 1947.Siguiendo la línea del cine mudo, donde no había diálogos y los sentimientos de los personajes eran claves para entender la historia, el neorrealismo le dio más importancia a los sentimientos de los propios personajes que a la composición de la trama. Pero para poder comprender este nuevo estilo cinematográfico, hay que entender la improvisación como manera de describir la realidad. Por eso en las películas neorrealistas todo es flexible y cambiante. Un claro ejemplo es Paisà de Roberto Rossellini. Movilizó a todo el equipo al lugar del rodaje y una vez allí realizó a los actores no profesionales unas encuestas para que opinaran de cómo debía ser el curso del argumento. Criticado por ello, Rossellini respondió: «[…], y el insulto más grande era afirmar que soy un improvisador. Me siento considerablemente orgulloso de ser un improvisador; esto quiere decir que no estoy completamente dormido

- Free cinema (Ingalterra-1956):

l free cinema comparte los rasgos indicados para los denominados nuevos cines, y, como ellos, surge del descontento ante el cine, británico en este caso, de los años 50, tanto en lo industrial como en lo artístico.Al igual que La Nueva Ola, nace desde la crítica cinematográfica y el cortometraje. Si La Nueva Ola francesa está ligada a Cahiers du Cinema, el free cinema británico lo está a la revista Sequence, nacida como una publicación del cine-club universitario de Oxford, y en la que escriben regularmente Anderson o Reisz. Esta publicación se convertirá en vehículo de defensa de las tesis creadoras del movimiento y del “mal humor contra toda una corriente crítica insensible a la esclerosis del cine británico, anestesiado por los tópicos londinenses” (Karl Reisz).Los nuevos cineastas británicos, los llamados jóvenes airados, critican el cine académico y de estudio que se hace en Inglaterra y demandan películas de compromiso social, que reflejen espacios laborales y conflictos cotidianos, quieren un cine anti conformista, con mayor libertad para la cámara y rodado en exteriores.

- Novela Cinema ( Francia-1950):

El cambio que se supone que marcó la Nouvelle Vague en el mundo cine fue la alternativa tanto estética, la manera de producir, como en el contenido de los films. La Nouvelle Vague cambió la percepción de realidad a través del cine. Mientras en los films clásicos se trataba de rodar películas para representar una historia determinada, en los films modernos se rueda para mostrar el sentido de una realidad opaca. A través de la metodología y las técnicas de estos cineastas se obtienen unas imágenes inestables que comprenden contradicciones y también mucho más expresivas que representativas.Las películas de este movimiento eran normalmente de bajo presupuesto, gracias a varias leyes que aportó el Estado, el cual propuso una nueva manera de producir que no necesitaba grandes cantidades de dinero. A pesar de que las salas de los cines franceses estaban cada vez más vacías debido a otras leyes y el aumento de precio de las entradas, el presupuesto para realizar las películas acabó bajando de forma que se podían realizar 5 películas al precio de una.Según Godard, la Nouvelle Vague era un tipo de cine puro y verdadero, del que podemos analizar muchas partes, pero del que llegamos a la primera conclusión es que la directriz más importante de su lenguaje y de la pura esencia era la libertad de movimiento de los directores en ámbitos de cámara y de la narración. Si bien es cierto que todas las historias ya han sido explicadas, también lo es que se puede cambiar la manera de hacerlo, esto es el que viene a decir Godard. La Nouvelle Vague intenta film detrás film innovar en ámbito de la imagen fílmica, pero también en la narración de las historias, explicar unas historias de amor, de comedia, pero de forma que el espectador no lo reconociera o atribuyera en las historias que ya habían sido filmadas anteriormente.La libertad es primordial en el movimiento por la gran importancia que tenía el contexto político y social en este. La guerra de Argelia y los hechos de mayo de 1968 fueron puntos claves para que los directores cinematográficos tuvieran un claro objetivo que mostrar en sus films: la busca de la libertad “personal” con la que podemos relacionar como un tipo de metáfora en la necesidad de la liberación de la sociedad encadenada en un sistema capitalismo que no hacía más que convertir a las personas en mercancías y en sociedad del espectáculo (como denomina Debord). La libertad de actuación del cine de la Nouvelle Vague emprende un cine totalmente diferente a todo el que se había creado anteriormente, a pesar de que evidentemente encontramos referentes como Hitchcock u otros; es una manera de romper con los esquemas del cine clásico.El montaje se caracterizó de discontinuidad, donde la temporalidad de las acciones y de las escenas era mucho más compleja y el orden de los planos estaba alterado, dando así una nueva perspectiva más retorcida pero más realista. A diferencia del que era el montaje tradicional, que pretendía pasar desapercibido, Godard pretende atraer la atención del espectador sobre el proceso de filmación que empleaba.

- Nuevo Cine Aleman (1960):

A partir de 1962 surgió un intento de introducir en el cine alemán innovaciones con el Manifiesto de Oberhausen que pedía un cine libre de ataduras comerciales y convencionalismos. Será el llamado Nuevo Cine Alemán (1) que, al modo de la Nouvelle Vague, impulsó cambios en los métodos de producción y realización con actores no profesionales, sonido directo, escenas y diálogos improvisados, relatos fragmentados, etc.El movimiento se inició en 1965 con No reconciliados (Nicht Versöhnt, 1965) de Jean-Marie Straub, basada en una novela de Heinrich Bóll y estalló en 1966 con las películas Una muchacha sin historia (Abschied von gestern) de Alexander Kluge, y El joven Törless (Der junge Törless), adaptación de la novela de Robert Musil, de Volker Schlöndorff. Éste siguió con películas como Vivir a cualquier precio (Mord und totscholag, 1967) y otra adaptación literaria, ésta vez de Günter Grass, El Tambor de hojalata (Die blechtrommel, 1979).Tras un momento de euforia inicial, las películas no logran distribución, lo que impulsó a algunos directores a crear sus distribuidoras independientes. Una parte de las obras recibieron financiación de la televisión. Aunque el movimiento seguía unas formas y un estilo, no se trató de un grupo unificado. Estos son algunos de sus directores más destacados:

• Rainer Werner Fassbinder es autor de descarnados y conmovedores melodramas como El mercader de las cuatro estaciones (Händler der vier jahreszeiten, 1971), Todos nos llamamos Alí (Angst essen seele auf (2), 1974) y Fontane Effi Briest, 1974.

• Werner Herzog brilló con Aguirre, la cólera de dios (Aguirre, der zorn Gottes, 1971) y El enigma de Gaspar Hauser (Jeder für sich und Gottgegen alle, 1974).

• Win Wenders mostró su talento en El miedo del portero ante el penalty (Die angst des tormanns beim elfmeter, 1971), Alicia en las ciudades (Alice in den städten, 1973) y En el curso del tiempo (Im lauf der zeit, 1976) en la que se nota la influencia de Ozu o Godard, y con la que pretendía que el espectador aprenda a mirar. Tras hacer El amigo americano (Der amerikanische freund (3), 1977), Coppola le ofreció rodar en EE.UU. donde transcurrirá su cine posterior.

- Dogma 95 (1995):

Si hay algo que tienen en común todas las corrientes artísticas, es que éstas sirven como reflejo de lo que se manifiesta en la sociedad del momento. A lo largo de la historia, han sido muchas las diferentes vanguardias que sirvieron como vía de escape para mostrar una visión distinta a todos aquellos valores que imperaban. Una de esas corrientes es el Dogma 95, la cual supuso un punto de inflexión sobre todo aquello que se concebía como cine. El manifiesto mencionado tenía como objetivo establecer unas premisas para combatir el cine que provenía de las altas productoras estadounidenses. Intentaban dejar claro que hacer un buen producto no debía ir ligado a tener un alto presupuesto. Asimismo, reivindicaban lo real como sinónimo de pureza y autenticidad cinematográfica.Como von Trier señala en su voto de castidad, “juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad”. Por lo tanto, no queda ningún tipo de reducto para la ficción, lo que vemos es lo que la cámara capta en ese momento.Para comprender mejor la esencia del Dogma 95 sería conveniente acudir a su manifiesto, donde se condensa todo lo que debe ser esta vanguardia. Extraído de Wikipedia:

• 1) Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locaciones reales. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.
• 2) El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).
• 3) Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).
• 4) La película tiene que ser en color. Luz especial o artificial no está permitida (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, ésta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara)
• 5) Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.
• 6) La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden mostrarse armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).
• 7) Se prohíbe la alienación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora).
• 8) No se aceptan películas de género.
• 9) El formato de la película debe ser el Académico de 35mm (1:1.85).
• 10) El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

ACTIVIDADES EN TRAMITE Y PENDIENTES:

- Llevar la cámara para realizar el ejercicio cinematográfico la próxima clase
- Enviar las notas de segundo corte
- Ir adelantando el corto para final de semestre

WEBGRAFIA:

- gcindario.com/2008/07/00043-las-vanguardias-cinematograficas.html