CORTO FINAL

LLENANDO LA VIDA

DIRECTORES:

Xirlen Dayan Vega Ruiz
Andres Felipe Reyes del Valle

TECNICA:

Stop Motion

GUIÒN:

CORTO TERMINADO:

EFECTO KULECHOV

1) YUXTAPOSICIÓN




2) TIEMPO Y ESPACIO

BOGOTA D.C, 20 DE MAYO DE 2017, SESIÓN XIV

NARRATIVA AUDIOVISUAL (CINE)

Este lenguaje consiste en la utilización de los recursos y convenciones para hacer este puente entre la realidad natural y este mundo enmarcado, y se utiliza el primer plano que funciona mediante una convención inherente, implícita a los recursos ya asimilados, amplia el rostro.Es un primer plano de vista privilegiado inconscientemente el espectador acepta este recurso como si fuera el mismo convertido en un observador mágico que en cada momento se coloca en el punto de vista más interesante y si afectar al personaje que sigue actuando sin notar la intromisión. 

- Fundido: transmisión de un momento a otro

- Elipsis: salto temporal

-  Música

No son recursos naturales sino que constituyen transgresiones fragantes de las condiciones de la visión real que requieren unas convenciones y les asignan un significado común. La aparente semejanza de la imagen fílmica transmite una fuente de sensación  natural que hace olvidar al espectador que los medios audiovisuales son solamente una articulación artificial de imágenes basada en la convención y por tanto, en el lenguaje audiovisual.Hay cineastas que ponen en relieve el artificio, pensamos en Fellini, Wells, Almodovar, este juego que presentan con la televisión que se puede observar en sus películas y la estética que muestran tan cuidada de los tonos de colores, los vestuarios nos remiten a ese artificio, pero estos son una excepción. Normalmente se sigue un modelo de realismo clásico donde el creador, el director y el guionista intentan darnos una reproducción o una fotografía de la realidad.A pesar de esta naturalidad que hace nos perdamos en el mundo creado de la película, estas convenciones están ahí innegables, pero la diferencia de la percepción del mundo real y la percepción de las imágenes del mundo del cine permiten al creador desarrollar su imaginación.En esta se encuentra el análisis semíotico y estético.

IDEA DE LA OBRA:

Inicialmente en la realización de una obra cinematográfica se tiene que crear una idea y plasmarla a través del guion, para luego plasmar la idea en un medio audiovisual la realización del guion se requieren ciertos elementos que incluyen director, narración, planeación, montaje, edición, publicación

- Guion: Toda producción audiovisual comienza con la elaboración de un guion. De forma genérica podemos decir que se trata de la forma escrita de proyecto audiovisual y describe los contenidos y los elementos necesarios para la ejecución de la película o el programa de televisión. En cine de ficción se denomina “guion literario” al documento que expresa el contenido dramático de la película, pero en otros géneros del audiovisual como el documental, el reportaje o las retransmisiones deportivas también es necesario trabajar el guion aunque no sea posible prever con precisión lo que se va a filmar o registrar. En estos casos se utilizarán otros documentos con textos y gráficos que persiguen el mismo objetivo: servir de herramienta básica para que cada uno de los miembros del equipo técnico y artístico de una producción audiovisual pueda planificar y realizar su respectiva tarea. En esta unidad didáctica se describen algunos de estos documentos previos a la producción de un proyecto audiovisual y su función específica en los contextos profesionales en los que se utilizan. 

- Director: El director no actúa, no compone la música, no la interpreta, no graba las escenas, ni siquiera es el que toma los pedazos grabados y corta en pedazos para ponerlos unos tras otros (proceso montaje/edición). Bueno, a veces hacen algunas de estas cosas, pero no es un requisito. El director, en rigor, pareciera que no hace nada, porque cada aspecto de la película está cubierto por otra persona: encargado de efectos visuales, coordinador de piruetas, encargado de casting, guionista, encargado de efectos sonoros, director de fotografía y un infinito etc. Entonces ¿qué hace en la práctica? Un director toma decisiones. Es como un capitán encargado de que un barco llegue a destino. Coordinando a toda la tripulación, pero con la importante diferencia: el director es quien decide el destino. Es cierto que si le piden realizar una nueva película de la franquicia Terminator y le entregan el guión listo, no va a poder filmar una película infantil de Los Pitufos, pero lo que hay que entender es que con un mismo guión es posible filmar mil películas diferentes.

- Narración: Es un conjunto de ilustraciones presentadas de forma secuencial con el objetivo de servir de guía para entender una historia, pre visualizar una animación o planificar la estructura de una película para realizar esta narración se realiza un story board en el que se determinaran los planos, el encuadre, los ángulos y demás que llevara nuestro proyecto cinematografico. Un story es básicamente una serie de viñetas que se ordenan conforme a una narración previa. Se utiliza como planificación gráfica, como documento organizador de las secuencias, escenas y por lo tanto planos (determinado en el guión técnico) aquí (en el story) ya visualizamos el tipo de encuadre y ángulo de visión que se va a utilizar.

PLANEACIÓN DE LA OBRA 

Luego de tener la idea realizada con sus respectivos componentes se inicia la planeacion de la obra que conlleva consigo la preproduccion, la producción en donde se realiza el montaje y por ultimo la posproducción que es en donde se realiza la edición de la obra para publicarla.

- Preproduccion: Es el proceso de fijación de algunos de los elementos que intervienen en una película, obra, u otro presentación. Hay tres partes en una producción: pre producción, producción y pos producción. La pre producción termina cuando finaliza la planificación y el contenido comienza a ser producido.Durante la preproducción, la escritura se divide en escenas individuales en un guion gráfico y todos los lugares, objetos, miembros del reparto, vestuario, efectos especiales y efectos visuales son identificados. Una muy detallada agenda se produce y se adoptan disposiciones para que los elementos necesarios estén disponibles para los cineastas en el momento apropiado. Los sets se construyen, el elenco es contratatado, los arreglos financieros se ponen en su lugar y una fecha de inicio para el inicio de la fotografía principal es definido. En algún momento de la pre-producción habrá una mesa de lectura de la secuencia de comandos al cual deben asistir todos los miembros del reparto con partes habladas, el director, todos los jefes de los departamentos, los financieros, productores y publicistas.

- Producción: Es la producción de contenidos para medios de comunicación audiovisuales; especialmente el cine y la televisión; independientemente del soporte utilizado y del género.En relación con la creación audiovisual, la producción audiovisual es el resultado de la combinación de varias necesidades: industriales, comerciales, de entretenimiento, culturales o artísticas. Tras todas estas necesidades existe siempre, a partes iguales en lo que a importancia se realiza, una inversión de capital, una mezcla de trabajo y recursos técnicos y un plan organizativo. Es a esta planificación a la que se conoce, tanto en el mundo de la industria cinematográfica como en el de la industria televisiva, como producción audiovisual. Debido a la importancia del proceso de producción, el modo de organizarlo será primordial para el éxito o fracaso de la obra. En referencia a la producción, las diferencias entre la empresa audiovisual y empresas que actúan en otros sectores son mínimas.En toda producción, es fundamental elaborar un plan de trabajo. Dentro de esta planificación, es necesario delimitar claramente: Qué se grabará, quién estará presente en la grabación, dónde tendrá lugar, cuándo se hará y cómo se realizará. A pesar de la rígida estructura de la que consta la planificación, la producción no es un proceso en el que la creatividad y la expresividad estén ausentes. El realizador, mano derecha del productor, es quien hace uso de esa creatividad y expresividad, dentro de los límites que le han sido marcados. La elección del productor influye en la calidad del programa final.

- Posproduccion: Es la manipulación de material audiovisual digital o analógico usado para cine, publicidad, programas de televisión o radio. Con el desarrollo de la informática, una de sus mayores utilidades se ha convertido en producir efectos digitales, pero la edición y montaje (no lineal) del material sigue siendo su máximo cometido.Se distinguen dos formas de postproducción: la de vídeo y la de audio (sonido). El término postproducción nombra al conjunto de procesos aplicado a todo material grabado o registrado: montaje, subtitulado, voz en off, efectos especiales, inclusión de otras fuentes audiovisuales, etcétera. Pertenece a un ámbito “tercero” al no trabajar con materia prima. Para el teórico francés Nicolas Bourriaud, las artes visuales más representativas de los últimos años amplifican y extienden el anticipatorio concepto de ready made elaborado por Marcel Duchamp. Por consiguiente también reflexionan sobre la fusión entre producción y consumo. Los artistas visuales realizan obra siempre a partir de materiales preexistentes: es decir, generan significado a partir de una selección y combinación de elementos heterogéneos ya dados.

MONTAJE CINEMATOGRÁFICO

-¿Que Es? 

El montaje es el proceso que se utiliza para ordenar los planos y secuencias de una película, de forma que el espectador los vea tal y cómo quiere el director. La manera de colocar los diversos planos puede cambiar completamente el sentido, y por lo tanto el mensaje, de una película.En el montaje se hace casi toda la película. Se cambian secuencias, se suprime lo que no gusta, se añade o se acorta el ritmo.Se empalman, según el orden del guión, los fragmentos («rush») que han constituido una filmación, ya que normalmente se filma en el orden que marcan las circunstancias de dirección y producción o las debidas a la disponibilidad de los actores y a causas climatológicas o de estación. Se seleccionan, entre los diferentes fragmentos de cada toma procedentes del laboratorio, los que se consideran mejores. El trabajo se efectúa en una mesa de montaje provista de una moviola.

- ¿Como Funciona?

Si por montaje se entiende la selección y ordenación de un material previo, ya la música (quizá el arte más grande de todos, porque no necesita de ninguna explicación intelectual) posee un montaje. Si, quizá, por montaje se entiende una estructura o un andamiaje interno, en otras palabras unos cimientos, casi la totalidad de las artes poseen ese andamiaje. Evidentemente, ningún arte más que el cine precisa de pequeños trocitos de su material, pegados entre sí, para un continuo espacio-temporal. ¿Ninguno? Bien pensado, la literatura, en su cortar y pegar palabras, frases y párrafos, tiene mucho de eso: pequeños trocitos colocados en un fluido continuo o paralelo o abstracto. Sin embargo, el montaje de cine sí detenta una peculiaridad que no siempre se analiza como se debería: el sonido. La disciplina del montaje de cine, muchas veces sobre valorada (en mi opinión, no deberían entregar un Oscar a esta profesión, ya explicaré por qué), es como la fotografía: tan técnica como artística, y de ella depende en gran medida que nos creamos la gran mentira que es el cine. Aunque, en el fondo, el montaje es la gran mentira.

- Técnicas

En cuanto al montaje, podemos encontrar algunas diferencias entre el mudo y sonoro con relación a cuatro aspectos fundamentales: orden de los planos en la época muda se tenía una gran libertad que se ha perdido en gran medida con el sonoro ya que el sonido encadena los elementos visuales, selección de encuadres el director debe saber cómo va a montar la escena para que pueda tener los efectos dramáticos buscados, duración de los planos en el cine mudo la tensión se obtenía por medio de la duración de los planos, en el sonoro se ajusta la imagen a la banda sonora de manera que conseguimos efectos que no son inherentes al sonido ni a la imagen y fluidez narrativa en casi todas las películas mudas las transiciones son bruscas y apreciable, la preocupación realista del cine sonoro busca conseguir una continuidad fluente y suave.

-Tipos

- Montaje narrativo: Cuenta los hechos. Ya sea cronológicamente o mezclándolo con saltos al futuro o al pasado.

- Montaje expresivo: Cuando marca el ritmo de la acción, rápido en las aventuras y en la acción, lento en el drama y en el suspense.

- Montaje ideológico: Cuando quiere utilizar las emociones, basándose en símbolos, gestos, etc.

- Montaje creativo: Es la operación de ordenar sin tener en cuenta una determinada cronología, sino como recurso cinematográfico, previamente expresado en el guión o como una operación totalmente nueva, que tratará de dar coherencia, ritmo, acción y belleza a la obra fílmica.

- Montaje poético: Cuando se realiza como una verdadera obra poética, causando reacciones en el espectador. Posee intención expresiva, según el cual los fragmentos se combinan de modo que la atención del espectador responda a las intenciones del realizador. Así, puede suceder que determinada escena no sea presentada entera y de una sola vez, sino alternada con otra, estableciéndose entre ambas un montaje en paralelo que puede intensificar las emociones. En otros casos, en vez de presentar en orden riguroso una cronología de los hechos mostrados, el cineasta utiliza los flash-back, o vuelta atrás, y los flash-forward, o saltos hacia adelante.

- Clases 

El montaje cinematográfico crea siempre un conjunto de relaciones nuevas que no existían previamente como tales en la realidad. El montaje no es más que un truco y depende de la forma de mirar al mundo, lo cual no hay dos caracteres o dos formas de mirar idénticas. Sería bueno que cada cineasta buscara una forma de montaje propia e intransferible.En esta página desarrollaremos los diferentes tipos de montaje que se dieron lugar a través de la historia del cine; pero es importante tener en cuenta que actualmente no existen tipos puros de montaje, si nó que es válido alternar diferentes recursos de acuerdo a la visión que cada quien le quiere dar a su propio proyecto.

- Montaje de Continuidad
- Montaje Discontinuo
- Montaje Constructivo
- Montaje Intelectual o de atracciones

MONTAJE DE CONTINUIDAD

Sigue varias reglas que satisfacen diferentes propósitos:

-Contar una historia, eliminando todo lo innecesario y evitando las repeticiones.

-Crear de manera que se mantenga la Coherencia Espacial

-Mantener la Continuidad Temporal

-Crear y mantener relaciones visuales y rítmicas

-Ocultar al espectador los recursos de construcción de la ficción.-

EL MONTAJE DISCONTINUO

Sucede en un tiempo discontinuo, para la generación de una idea se basa en el choque de dos planos, en su confrontación y combina sus fragmentos de modo arbitrario con el fin de Demostrar una Imagen. Parte del principio del “injerto” para construir el sentido del film.Busca generar eco o sensaciones en la conciencia del espectador a través de conexiones aleatorias. Evoca o sugiere un mundo por percibirse. Parte del principio del collage. El montaje de correspondencias genera subtextos para dar forma a una parábola que está más allá del simple trayecto de los personajes.

MONTAJE CONSTRUCTIVO

Vladimirovic Kulechov marca un hito en los temas de significación y de narratología; demostró que dos tomas sucesivas no son interpretadas de manera independiente por el espectador, si no que el cerebro las integra. Descubrió que el orden en la yuxtaposición de planos de actores, con otros objetos, podría modificar sustancialmente el significado del mensaje. Filmó a un actor inexpresivo (mantuvo la misma expresión todo el tiempo). Luego segmentó esta toma insertando distintas imágenes, de la siguiente manera:

rostro actor + mujer muerta en el féretro

rostro actor + plato de sopa

rostro actor + mujer acostada

Cuando se vio por primera vez, los espectadores creyeron que el sujeto experimentaba gula, compasión y lujuria. Y era el mismo plano repetido.Si algo tan sencillo es posible, y nos engaña completamente, podemos imaginar hasta qué punto el montaje es capaz de convertir una pobre puesta en escena en algo falsamente dinámico y emocionante.

MONTAJE DE INTELECTUAL O DE ATRACCIONES

ATRACCIÓN :todo momento agresivo del espectáculo realizado a través de impactos estéticos, es decir, todo elemento que someta al espectador a una acción sensorial y/o psicológica calculada para obtener determinadas conmociones emotivas, conmociones que le conducen a una conclusión ideológica .La atracción es el elemento primario de la construcción del espectáculo con una orientación que conduce a un efecto temático.

El TEMA es el alma del filme imponiendo una ley interpretativa.Mediante la dinámica asociativa, se utilizan los objetos a modo de SÍMBOLOS, a los fines de generar en el pensamiento figuras retóricas más intensas que lo mostrado por una imagen puramente denotativa. Esto deja en total libertad al espectador para desarrollar su propio esquema interpretativo subjetivo y descubrir, incluso nuevas cadenas de significado mediante el análisis hipertextual individual.El tema está lleno de conflictos internos, de tensiones dialécticas, y el montaje los pone en evidencia. Podemos visualizarlo así:

Tesis + antítesis = síntesis

Desde la imagen a la emoción y desde la emoción a una nueva dimensión significante que procesa el espectador, conduciendo así a una nueva IDEA.

PERRO + BOCA = LADRAR

CORAZÓN + CUCHILLO = DOLOR

AUTORES Y TEXTOS MECIONADOS:

- Lumiere ( cinematógrafo)

- Alba Edison (Cinematógrafo)

- Edwin S. Porter (Montaje Narrativo)

- D.W Griffith  ( Montaje expresivo)

- Vladimirovic Kulechov ( efecto Kulechov- Montaje Creativo)

- Einstein (Cine Ideológico-Montaje Ideológico)

ACTIVIDADES EN TRAMITE Y PENDIENTES

- Realizar dos ejercicios cinematográficos en grupos utilizando las dos técnicas del efecto kulechov

- Realizar una investigación de como se analiza una película

WEBGRAFIA

-http://e-archivo.uc3m.es/bitstream/handle/10016/16373/guion_tecnico_2013.pdf

BOGOTA D.C , MAYO 13 DE 2017, SESION XIII

Espacio: Salón 307 aula informática

CONTENIDOS ABORDADOS AUTORES Y OBRAS

En esta sesión hablamos de lo que refiere a vanguardias cinematográficas y el como se analiza la escena de una película desde lo narrativo hasta el guion

LAS VANGUARDIAS CINEMATOGRÁFICAS

Las vanguardias son formas que surgen en un campo cultural constituido y transforman sus convenciones. El cambio se manifiesta como tensión entre formas artísticas nuevas y formas caducas.

En general, se entiende por cine de vanguardia o cine artístico el que se desarrolla totalmente al margen de la narrativa convencional , a veces chocando tan frontal mente como el cine abstracto. Pero dentro de este cine de vanguardia caben intereses y prácticas cinematográficas totalmente distintas. Entre estas vanguardias podemos reconocer: 

- Expresionismo Alemán (1920): 

El saldo de la guerra cristaliza, en Alemania, dos hitos capitales para la cinematografía: la consolidación de la industria y la aparición del movimiento expresionista. Alemania busca incentivar la producción cinematográfica con films propios debido a la guerra. En 1917 surge mediante la unión de industriales, militares y burgueses poderosos la Universum Film Aktiengesellschaft (UFA), que fue una productora creada por el General Ludendorff .La corriente expresionista en el cine comienza con El gabinete del Doctor Caligari ( Robert Wiene, 1919), y tiene como antecedentes El Estudiante de Praga ( Stellan Rye 1913), El Golem ( Paul Wegener, 1914) y el serial Homunculus (Otto Rippert, 1916). Entre los directores expresionistas podemos encontrar a Robert Wiene, Paul Wegener,arthur Robison, Paul Leni, E. A. Dupont, Leopold Jessner, Lupu Pick, George W. Pabst, Friedrich Wilhelm Murnau y Fritz Lang.El expresionismo alemán derivó hacia dos tendencias el kammerspielfilm o film de cámara y la nueva objetividad, caracterizada por el denominado film de la calle que dejó a un lado la subjetividad de Caligari.

Un ejemplo de cine expresionista alemán es La película Nosferatu de 1922

- Surrealismo Dadaismo (1928): 

Surgió en Zurich durante la guerra, el movimiento dada pretendía elevar el escándalo a la categoría de forma artística. Promovía la espontaneidad, la provocación, el encuentro de todas las contradicciones.
El dadaismo estaba contra las convenciones burguesas, contra la institución del arte tradicional o contra el modelo de la narración clásica sistematizado por Griffith.
El arte ya no debería ser una institución, sino un acto creador libre, caótico, fugaz y subversivo.
Autores y obras

Emak Bakia (1927, de Man Ray), Anemic Cinema (1926 Marcel Duchamp), Entreacto (1924 Rene Clair).
El Surrealismo intentó sistematizar el caos dada para proponer un orden alternativo a las convenciones burguesas. El azar, el humor, el erotismo, lo onírico, las imágenes insólitas y la lógica del inconciente fueron los instrumentos de esa transgresión.
Es considerado el primer film surrealista La caracola y el clérigo (1928 Germaine Dulac), Un perro Andaluz ( 1928 Luis Bruñel), La edad de oro ( 1930 Luis Bruñel) considerada como la cumbre cinematográfica del surrealismo.

Un ejemplo de cine surrealista dadaista es Un perro andaluz de Buñuel 1929

- Formalismo Ruso(1925):

El formalismo ruso se distingue por su énfasis en el papel funcional de los recursos literarios y de su concepción original de la historia literaria. Formalistas rusos, abogó por un método “científico” para estudiar el lenguaje poético, a la exclusión de los tradicionales enfoques históricos psicológicos y culturales. Como Victor Erlich, un historiador del formalismo. Crear un modelo de narrativa audiovisual era algo necesario, especialmente en un periodo donde muchas grabaciones solo mostraban escenas como si de un teatro se tratase, con un escaso sentido del ritmo al intercalar diferentes planos.Ya por entonces existían figuras como David W. Griffith, que creará obras tan rompedoras como “El nacimiento de una nación” (1915), la cual a pesar de mostrar una historia de dudosa moralidad supone todo un hito en cuanto a técnica, ya que los planos dejaban de ser fijos para intercalarse entre sí.Pero no será hasta la llegada del cine soviético de los años 20 cuando se empezarán a desarrollar unas teorías más específicas sobre aquello que podía transmitir el montaje cinematográfico. 

Un ejemplo de formalismo ruso es  la película el nacimiento de una nación 1915.




-Star System (Hollywood- 1930)

Durante los años de la Primera Guerra Mundial, la producción cinematográfica norteamericana alcanzó su pleno desarrollo, convirtiéndose en una de las industrias más prósperas del país; cuando el conflicto alcanzó su fin en 1918, Estados Unidos se encontraba a la cabeza del mercado cinematográfico mundial. En esta situación, los presupuestos de las películas aumentaron de manera considerable y, con el fin de minimizar los riesgos, se generalizó la aplicación de los modelos organizativos desarrollados por Adolph Zukor en la Paramount.Sin embargo, buena parte del éxito de una producción dependía de la popularidad de los actores y actrices que participan en ella, y uno de los trabajos más importantes será su promoción. Se dice que fue D.W. Griffith quien empezó a firmar sus películas y a colocar a los actores en los títulos de crédito. Gracias a esa iniciativa, los actores comenzaron a ser conocidos, generándose una demanda por parte del público. Así aparece en la nueva industria el Star-System. Gloria Swanson, Louise Brooks, Claudette Colbert y Greta Garbo fueron estrellas de esta época, junto a los grandes cómicos. Ya en los años 20 aparecieron también el sistema de estudios (studio system), siguiendo el modelo de Irving Thalberg en la Metro, y el cine de géneros cinematográficos.En 1922, las principales empresas se agruparon en torno a la Motion Picture Producers & Distributors of America Inc., organismo encargado de establecer una normativa que articule el funcionamiento interno de las empresas y sus relaciones. Pero el presidente de esta asociación, el ex-senador republicano Will H. Hays, irá más allá en el desarrollo de sus funciones y redactará un célebre código moral, el Código Hays (1), al que se verá sometida la industria de Hollywood a partir de 1930.

Un ejemplo de star system es La Boheme, 1926

- Neorrealismo Italiano (1945)

El neorrealismo italiano fue un movimiento cinematográfico que surgió en Italia durante la primera mitad del siglo XX como una reacción a la Posguerra. Tuvo como objetivo mostrar condiciones sociales más auténticas y humanas, alejándose del estilo histórico y musical que impuso el fascismo. Los autores utilizaban frecuentemente a actores no profesionales. El término fue acuñado por el crítico Umberto Barbaro y la primera película de este género es considerada Roma ciudad abierta de Roberto Rossellini.Se puede decir que el neorrealismo italiano se inicia en 1945 con Roma, ciudad abierta (Roma, città aperta) de Roberto Rossellini y continúa con cineastas tan destacados como Vittorio De Sica con Ladri di biciclette (Ladrón de bicicletas) en 1948 y Luchino Visconti con La tierra tiembla (La terra trema) en 1947.Siguiendo la línea del cine mudo, donde no había diálogos y los sentimientos de los personajes eran claves para entender la historia, el neorrealismo le dio más importancia a los sentimientos de los propios personajes que a la composición de la trama. Pero para poder comprender este nuevo estilo cinematográfico, hay que entender la improvisación como manera de describir la realidad. Por eso en las películas neorrealistas todo es flexible y cambiante. Un claro ejemplo es Paisà de Roberto Rossellini. Movilizó a todo el equipo al lugar del rodaje y una vez allí realizó a los actores no profesionales unas encuestas para que opinaran de cómo debía ser el curso del argumento. Criticado por ello, Rossellini respondió: «[…], y el insulto más grande era afirmar que soy un improvisador. Me siento considerablemente orgulloso de ser un improvisador; esto quiere decir que no estoy completamente dormido

- Free cinema (Ingalterra-1956):

l free cinema comparte los rasgos indicados para los denominados nuevos cines, y, como ellos, surge del descontento ante el cine, británico en este caso, de los años 50, tanto en lo industrial como en lo artístico.Al igual que La Nueva Ola, nace desde la crítica cinematográfica y el cortometraje. Si La Nueva Ola francesa está ligada a Cahiers du Cinema, el free cinema británico lo está a la revista Sequence, nacida como una publicación del cine-club universitario de Oxford, y en la que escriben regularmente Anderson o Reisz. Esta publicación se convertirá en vehículo de defensa de las tesis creadoras del movimiento y del “mal humor contra toda una corriente crítica insensible a la esclerosis del cine británico, anestesiado por los tópicos londinenses” (Karl Reisz).Los nuevos cineastas británicos, los llamados jóvenes airados, critican el cine académico y de estudio que se hace en Inglaterra y demandan películas de compromiso social, que reflejen espacios laborales y conflictos cotidianos, quieren un cine anti conformista, con mayor libertad para la cámara y rodado en exteriores.

- Novela Cinema ( Francia-1950):

El cambio que se supone que marcó la Nouvelle Vague en el mundo cine fue la alternativa tanto estética, la manera de producir, como en el contenido de los films. La Nouvelle Vague cambió la percepción de realidad a través del cine. Mientras en los films clásicos se trataba de rodar películas para representar una historia determinada, en los films modernos se rueda para mostrar el sentido de una realidad opaca. A través de la metodología y las técnicas de estos cineastas se obtienen unas imágenes inestables que comprenden contradicciones y también mucho más expresivas que representativas.Las películas de este movimiento eran normalmente de bajo presupuesto, gracias a varias leyes que aportó el Estado, el cual propuso una nueva manera de producir que no necesitaba grandes cantidades de dinero. A pesar de que las salas de los cines franceses estaban cada vez más vacías debido a otras leyes y el aumento de precio de las entradas, el presupuesto para realizar las películas acabó bajando de forma que se podían realizar 5 películas al precio de una.Según Godard, la Nouvelle Vague era un tipo de cine puro y verdadero, del que podemos analizar muchas partes, pero del que llegamos a la primera conclusión es que la directriz más importante de su lenguaje y de la pura esencia era la libertad de movimiento de los directores en ámbitos de cámara y de la narración. Si bien es cierto que todas las historias ya han sido explicadas, también lo es que se puede cambiar la manera de hacerlo, esto es el que viene a decir Godard. La Nouvelle Vague intenta film detrás film innovar en ámbito de la imagen fílmica, pero también en la narración de las historias, explicar unas historias de amor, de comedia, pero de forma que el espectador no lo reconociera o atribuyera en las historias que ya habían sido filmadas anteriormente.La libertad es primordial en el movimiento por la gran importancia que tenía el contexto político y social en este. La guerra de Argelia y los hechos de mayo de 1968 fueron puntos claves para que los directores cinematográficos tuvieran un claro objetivo que mostrar en sus films: la busca de la libertad “personal” con la que podemos relacionar como un tipo de metáfora en la necesidad de la liberación de la sociedad encadenada en un sistema capitalismo que no hacía más que convertir a las personas en mercancías y en sociedad del espectáculo (como denomina Debord). La libertad de actuación del cine de la Nouvelle Vague emprende un cine totalmente diferente a todo el que se había creado anteriormente, a pesar de que evidentemente encontramos referentes como Hitchcock u otros; es una manera de romper con los esquemas del cine clásico.El montaje se caracterizó de discontinuidad, donde la temporalidad de las acciones y de las escenas era mucho más compleja y el orden de los planos estaba alterado, dando así una nueva perspectiva más retorcida pero más realista. A diferencia del que era el montaje tradicional, que pretendía pasar desapercibido, Godard pretende atraer la atención del espectador sobre el proceso de filmación que empleaba.

- Nuevo Cine Aleman (1960):

A partir de 1962 surgió un intento de introducir en el cine alemán innovaciones con el Manifiesto de Oberhausen que pedía un cine libre de ataduras comerciales y convencionalismos. Será el llamado Nuevo Cine Alemán (1) que, al modo de la Nouvelle Vague, impulsó cambios en los métodos de producción y realización con actores no profesionales, sonido directo, escenas y diálogos improvisados, relatos fragmentados, etc.El movimiento se inició en 1965 con No reconciliados (Nicht Versöhnt, 1965) de Jean-Marie Straub, basada en una novela de Heinrich Bóll y estalló en 1966 con las películas Una muchacha sin historia (Abschied von gestern) de Alexander Kluge, y El joven Törless (Der junge Törless), adaptación de la novela de Robert Musil, de Volker Schlöndorff. Éste siguió con películas como Vivir a cualquier precio (Mord und totscholag, 1967) y otra adaptación literaria, ésta vez de Günter Grass, El Tambor de hojalata (Die blechtrommel, 1979).Tras un momento de euforia inicial, las películas no logran distribución, lo que impulsó a algunos directores a crear sus distribuidoras independientes. Una parte de las obras recibieron financiación de la televisión. Aunque el movimiento seguía unas formas y un estilo, no se trató de un grupo unificado. Estos son algunos de sus directores más destacados:

• Rainer Werner Fassbinder es autor de descarnados y conmovedores melodramas como El mercader de las cuatro estaciones (Händler der vier jahreszeiten, 1971), Todos nos llamamos Alí (Angst essen seele auf (2), 1974) y Fontane Effi Briest, 1974.

• Werner Herzog brilló con Aguirre, la cólera de dios (Aguirre, der zorn Gottes, 1971) y El enigma de Gaspar Hauser (Jeder für sich und Gottgegen alle, 1974).

• Win Wenders mostró su talento en El miedo del portero ante el penalty (Die angst des tormanns beim elfmeter, 1971), Alicia en las ciudades (Alice in den städten, 1973) y En el curso del tiempo (Im lauf der zeit, 1976) en la que se nota la influencia de Ozu o Godard, y con la que pretendía que el espectador aprenda a mirar. Tras hacer El amigo americano (Der amerikanische freund (3), 1977), Coppola le ofreció rodar en EE.UU. donde transcurrirá su cine posterior.

- Dogma 95 (1995):

Si hay algo que tienen en común todas las corrientes artísticas, es que éstas sirven como reflejo de lo que se manifiesta en la sociedad del momento. A lo largo de la historia, han sido muchas las diferentes vanguardias que sirvieron como vía de escape para mostrar una visión distinta a todos aquellos valores que imperaban. Una de esas corrientes es el Dogma 95, la cual supuso un punto de inflexión sobre todo aquello que se concebía como cine. El manifiesto mencionado tenía como objetivo establecer unas premisas para combatir el cine que provenía de las altas productoras estadounidenses. Intentaban dejar claro que hacer un buen producto no debía ir ligado a tener un alto presupuesto. Asimismo, reivindicaban lo real como sinónimo de pureza y autenticidad cinematográfica.Como von Trier señala en su voto de castidad, “juro que me abstendré de crear una obra, porque considero que el instante es mucho más importante que la totalidad”. Por lo tanto, no queda ningún tipo de reducto para la ficción, lo que vemos es lo que la cámara capta en ese momento.Para comprender mejor la esencia del Dogma 95 sería conveniente acudir a su manifiesto, donde se condensa todo lo que debe ser esta vanguardia. Extraído de Wikipedia:

• 1) Los rodajes tienen que llevarse a cabo en locaciones reales. No se puede decorar ni crear un "set". Si un artículo u objeto es necesario para el desarrollo de la historia, se debe buscar una locación donde estén los objetos necesarios.
• 2) El sonido no puede ser mezclado separadamente de las imágenes o viceversa (la música no debe ser usada, a menos que esta sea grabada en el mismo lugar donde la escena está siendo rodada).
• 3) Se rodará cámara en mano. Cualquier movimiento o inmovilidad debido a la mano está permitido. (La película no debe tener lugar donde esté la cámara, el rodaje debe tener lugar donde la película tiene lugar).
• 4) La película tiene que ser en color. Luz especial o artificial no está permitida (si la luz no alcanza para rodar una determinada escena, ésta debe ser eliminada o, en rigor, se le puede enchufar un foco simple a la cámara)
• 5) Se prohíben los efectos ópticos y los filtros.
• 6) La película no puede tener una acción o desarrollo superficial (no pueden mostrarse armas ni pueden ocurrir crímenes en la historia).
• 7) Se prohíbe la alienación temporal o espacial. (Esto es para corroborar que la película tiene lugar aquí y ahora).
• 8) No se aceptan películas de género.
• 9) El formato de la película debe ser el Académico de 35mm (1:1.85).
• 10) El director no debe aparecer en los títulos de crédito.

ACTIVIDADES EN TRAMITE Y PENDIENTES:

- Llevar la cámara para realizar el ejercicio cinematográfico la próxima clase
- Enviar las notas de segundo corte
- Ir adelantando el corto para final de semestre

WEBGRAFIA:

- gcindario.com/2008/07/00043-las-vanguardias-cinematograficas.html

ROTOSCOPIA

En esta ocasión realizamos una pequeña modificación al vídeo de SIA- BIG GIRLS CRY , para realizar este vídeo en rotoscopia trasportamos el vídeo por capas a photoshop CS6 y luego de 500 capas modificadas una a una utilizando diferentes herramientas de photoshop como pincel histórico, diferentes filtros, lápiz entre otros logramos una rotoscopia del vídeo y este fue el resultado final:

WEBGRAFIA:

- https://www.youtube.com/watch?v=4NhKWZpkw1Q

BOGOTA D.C, MAYO 06 DE 2017 , SESIÓN XII

Espacio: Salón 307 aula informática

CONTENIDOS ABORDADOS AUTORES Y OBRAS

En esta sesión estuvimos un abre bocas de lo que es lo audiovisual  y lo que conlleva con sigo la cinematografía (preedicion,producción, postproduccion, distribución), llevándonos  aun recorrido de la historia cinematografiara a través de los años.

LO AUDIOVISUAL

Es el concepto que une a el sonido con la imagen,La expresión "arte audiovisual" comienza a usarse en Estados Unidos en los años 1930 con la aparición del cine sonoro. Sin embargo, empieza a teorizarse en Francia durante la década de los años 1950 para referirse a las técnicas de difusión simultánea. Es a partir de entonces cuando el concepto se amplía y el término se sustantiva. En el terreno de los medios de comunicación de masas, se habla de lenguaje audiovisual y comunicación audiovisual.El concepto audiovisual significa la integración e interrelación plena entre lo auditivo y lo visual para producir una nueva realidad o lenguaje. La percepción es simultánea. Se crean así nuevas realidades sensoriales mediante mecanismos como la armonía, complementariedad y contraste 

Lo audiovisual puede existir de tres maneras diferentes, audiovisual natural, audiovisual parcialmente tecnificado y audiovisual artificial.En un audiovisual se percibe la realidad con los cinco sentidos acotando la vista y el oído por ser los protagonistas en la comunicación e interpretación de la realidad. Tanto la vista como el oído perciben en un tiempo y un espacio. En la temática audiovisual existen varios medios de reproducción entre ellos el cine, la animación, la televisión, entre otros como lo explixca omar rincon en su video narrativa audiovisuales:https://www.youtube.com/watch?v=zXaYk25wXNU 

MEDIOS AUDIOVISUALES 

Denominamos como medios audiovisuales a aquellos medios de comunicación masiva que apelan a la utilización de los sentidos de la vista y el oído para transmitir sus mensajes. Es decir, los medios audiovisuales combinan imágenes y sonido , y por caso, el receptor puede ver y escuchar el mensaje en cuestión. Entre los medios audiovisuales más destacados se cuentan la televisión, el cine e internet, quien se ha incorporado a la categoría en las últimas décadas.

... via Definicion ABC http://www.definicionabc.com/comunicacion/medios-audiovisuales.php

- ELCINE:

La historia del cine como espectáculo comenzó en París, Francia, el 28 de diciembre de 1895. Desde entonces ha experimentado una serie de cambios en varios sentidos. Por un lado, la tecnología del cinematógrafo ha evolucionado mucho, desde el primitivo cine mudo de los hermanos Lumière hasta el cine digital del siglo XXI. Por otro lado, ha evolucionado el lenguaje cinematográfico, incluidas las convenciones del género, y han surgido así distintos géneros cinematográficos. En tercer lugar, ha evolucionado con la sociedad, con lo que se desarrollaron distintos movimientos cinematográficos y cinematografías nacionales. 

En el cine mudo se instauro un genero principal que lo reprersnetaba y este fue la comedia que se tomaba una a auna laspeliculas conlos distintos personaje que reinaba en aquellas epocas: 

• Mack Sennett - King of Comedy https://youtu.be/AfrvvY4W4C0

• The Keystone Kops meet Pickles and Peppers https://youtu.be/a8jphxpi1ro1914 - Getting • Acquainted - CHARLIE CHAPLIN & MABEL NORMAND - Mack Sennett https://youtu.be/etpBIqq7n1I

• Those Love Pangs (1914) - CHARLIE CHAPLIN & CHESTER CONKLIN - Mack Sennett https://youtu.be/nHXuxmbXaiI

- EL CINE EN COLOMBIA:

El término cine de Colombia o cine colombiano se refiere, en un sentido amplio, a las producciones cinematográficas realizadas en Colombia o consideradas colombianas por otras razones. El cine colombiano, como cualquier cine nacional, es un proceso histórico con una dimensión industrial y artística.El cine colombiano no ha logrado ser rentable como industria a lo largo de su historia, lo que ha impedido que exista continuidad en la producción y en el empleo de realizadores y técnicos. Durante las primeras décadas del siglo XX existieron algunas compañías que intentaron mantener un nivel constante de producción pero la falta de apoyo económico y la fuerte competencia extranjera terminaron por malograr las iniciativas. En los años 1980 la recién creada Compañía de Fomento Cinematográfico (FOCINE) de carácter estatal, permitió que se realizaran algunas producciones. Sin embargo, la compañía tuvo que ser liquidada a principios de los años 1990.

Algunas de las precursoras del cine en colombia son :

• La tragedia del silencio, 1924. https://youtu.be/-rx44UE-d6Q
• Bajo el Cielo Antioqueño, 1925. https://youtu.be/7zzg6RshDrk

• Garras de Oro 1926 https://youtu.be/2LInJpP4DTk

- CINE SONORO:

El cine sonoro es aquel en el que la película incorpora sonido sincronizado (es decir, tecnológicamente acoplado) con la imagen. La primera exhibición pública conocida de cine sonoro proyectado ocurrió en París en 1900, décadas antes de que la sincronización confiable entre sonido e imagen se hiciera comercialmente práctica. La primera proyección comercial de películas con sonido completamente sincronizado ocurrió en la ciudad de Nueva York, en abril de 1927 (The Jazz Singer). En los primeros años después de la introducción del sonido, las películas que incorporaban diálogos sincronizados fueron conocidas como «películas sonoras».

En la década de 1930, las películas sonoras eran un fenómeno global. En los Estados Unidos ayudaron a asegurar la posición del Hollywood como uno de los sistemas culturales/comerciales más potentes del mundo. En Europa (y, en menor grado, en otros lugares) el nuevo desarrollo fue tratado con desconfianza por muchos directores de cine y críticos a los que les preocupaba que, el centrarse en los diálogos, trastornaría la principal virtud estética del cine mudo.

Estas producciones audiovisuales que son quienes formaron de una u otra manera el cine en el mundo tiene un proceso de preedicion, producción, postproduccion y distribución por los medios visuales como el Internet que se ah convertido en uno de los difusores mas efectivos en la actualidad.

ESTRUCTURA DEL CINE 

- Tomas: La toma es el fragmento de película que se imprime o graba desde que la cámara comienza a registrar hasta el corte. Es en cada caso uno de los fragmentos en los que se fracciona el diálogo de una película o serie para que los actores de doblaje puedan realizar su trabajo con mayor facilidad.

- Escena: Desde el punto de vista de la escritura del guión, de la dirección y producción, unaescena es una unidad de la narración de la película, como son toma, y secuencia. Una escena es una entidad activa sucediendo en un escenario , la cual se ocupa de un evento del guión y tiene un inicio, nudo y desenlace.

- Secuencia: es el conjunto de elementos ordenados que se integran dentro de una línea argumental, estos elementos pueden ser planos o escenas. Lasecuencia supondría la narración completa de una de las unidades narrativas de la obra, teatral o cinematográfica.

- Actos: estos van  por medio de la secuencia y lleva consigo la aciion climatica de la escena.

ANIMACION STOP MOTION: CORRER, CAMINAR Y SALTAR

Con el personaje que realizamos los doce principios de animación se busca mostrar el desplazamiento a través de la técnica de stop motion y para esto debemos observar con cuidado como se realiza cada movimiento desde caminar hasta saltar pasando por correr.

A partir de esta observación se realiza un pequeño corto con nuestro personaje creado en muñeco articulado, en el que este este realizando dichas acciones y este fue el resultado: